Festival de Coreógrafos en Comunidad

foto: Coreógrafos en comunidad.
foto: Coreógrafos en comunidad.

Compartimos el comunicado de prensa llegado a nuestra redacción:

Coreógrafos en Comunidad es un colectivo de coreógrafos independientes que residen y trabajan en Madrid. Actualmente su proyecto se desarrolla en las instalaciones del Centro Cultural Conde Duque y recibe el apoyo de la plataforma coreográfica Paso a 2. La iniciativa surge como respuesta ante la necesidad de encuentro e intercambio entre los creadores locales y conlleva la firme voluntad de promover la danza entre los ciudadanos asiduos a este arte y los nuevos públicos.

“Los artistas comenzamos de esta manera a colaborar activamente unos con otros, uniendo fuerzas, y vinculándonos a instituciones afines que respaldan la proyección de un paisaje floreciente para la danza madrileña.”

Los integrantes de Coreógrafos en Comunidad son: Mey-ling Bisogno, Pablo Esbert Lilienfeld, Sharon Fridman, Camille Hanson, Rafael de la Lastra, Janet Novás, Beatriz Palenzuela, Manuel Rodríguez y Jesús Rubio. Todos ellos comparten un propósito: hacer de la danza contemporánea local un evento diario en las agendas de los madrileños.

“Coreógrafos en comunidad aspira a convertirse en una red sostenible, regular y comprometida, donde artistas, instituciones y espectadores confluyen activamente. Para ello animamos a todas las personas implicadas con las artes del movimiento a dejar su granito de arena  en la creación de este nuevo espacio.”

El I Festival Coreógrafos en Comunidad nace con el propósito de promover las acciones que estimulan la popularización de la danza y la creación de un territorio fértil sobre el que organizar encuentros fluidos entre público y artistas. A tales fines, la programación se ha articulado en torno a cuatro elementos principales: la interdisciplinariedad, el espacio no convencional, el trabajo en proceso (y la apertura del proceso) y el diálogo colectivo.

Bienvenidos/as al foro abierto de Coreógrafos en comunidad. Siéntanse libres de actuar, opinar y participar en todo momento. Y recuerden: la danza contemporánea sucede todos los días del año en el centro de Madrid.

 

La presentación oficial del festival, abierta a prensa especializada y público en general, será el viernes 21 de febrero a las 16:30h, en el estudio de danza del Centro Cultural Conde Duque.

Programación Festival Coreógrafos en Comunidad

 

Jueves 20 febrero*

20:00h Crear colectivamente, conducido por Pablo Esbert Lilienfeld / Teatro

After talk show con el público

21:00h Je te haime, de HURyCAN / Estudio de Danza

22:00h Día festivo, de Stabivo / Caballerizas

 

 

Viernes 21 febrero*

16:30h Presentación oficial del Festival y de Coreógrafos en comunidad / Estudio de Danza

Brea y plumas, de Beatriz Palenzuela / Estudio de Danza

17:30h Caída libre (work in progress), de Compañía Sharon Fridman / Estudio de Danza

18:30h Stefano y Janet (work in progress), de Jesús Rubio / Estudio de Danza

20:00h Tokyo dream, de Compañía Mey-Ling Bisogno / Teatro

 

 

Sábado 22 febrero*

19:00h Programa continuo en Caballerizas

Flesh, de Poliana Lima y Ugne Dievaityte

Sutiles, de my madder

Migrations, de Camille Hanson y Juan Carlos Arévalo (videodanza)

Bordes 12, de Compañía Coracor

Más cosas breves, de Noelia García Baz

 

21:00h Live Dj & music

 

*La entrada al recinto está permitida hasta las 21:00h. La entrada a las actividades es libre hasta completar el aforo.

 

Maestra de ceremonias: Aldegunda Vergara

Organización: Coreógrafos en comunidad

Coordinación: Laura Gil Diez

Coordinación técnica: Sergio G. Domínguez

Colaboración: Conde Duque, Plataforma coreográfica Paso a 2

Fichas artísticas Compañías Festival Coreógrafos en Comunidad

 

Crear colectivamente,
Proyecto de creación colectiva desarrollado en 4 sesiones por artistas de diversas disciplinas, conducido por Pablo Esbert Lilienfeld e interpretado por los artistas participantes.

 

Je te haime, de HURyCAN

Dirección y coreografía: HURyCAN

Intérpretes: Candelaria Antelo y Arthur Bernard Bazin

Música: Louis Amstrong, Cinematic Orchestra, Kid Koala

Composición musical: Candelaria Antelo

Pieza ganadora del Premio al mejor espectáculo de Danza en la Feria Internacional de Huesca 2013

 

Día festivo, de Stabivo

Dirección de escena y dramaturgia: Antonio Ramírez-Stabivo

Intérpretes: Fátima Cué, Enrique Coslado y Laura Gil Diez

Música: Haydn y Brahms

 

Brea y plumas, de Babirusa Danza

Creación e interpretación: Beatriz Palenzuela Martínez

Asistente: Rafael de la Lastra

Diseño Iluminación: Sergio García

Música: Beethoven y Amon Tobin

Galardonada con el Primer Premio Certamen DeUnaPieza 2013 Universidad Carlos III Madrid

 

Caída libre (work in progress), de Compañía Sharon Fridman

Dirección artística y coreografía: Sharon Fridman

Asistente dirección: Arthur Bernard-Bazin

Intérpretes: Pau Cólera, Jonathan Foussadier, Maite Larrañeta, Alejandro Moya, Melania Olcina, Léonore Zurflüh

Dramaturgia: Antonio Ramírez-Stabivo

Música original: Luis Miguel Cobo

Diseño iluminación: Sergio García Domínguez

Coproducción: Mercat de les Flors, Theater im Pfalzbau Ludwigshafen

Apoyo: INAEM, Comunidad de Madrid, Centro Danza Canal, Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga

 

Stefano y Janet (work in progress), de Jesús Rubio Gamo

Dirección: Jesús Rubio Gamo

Coreografía: Jesús Rubio Gamo junto con los intérpretes

Intérpretes: Janet Parra y Stefano Fabris

Música: Alva Noto

 

Tokyo dream, de Compañía Mey-Ling Bisogno

Dirección y coreografía: Mey-Ling Bisogno

Intérpretes: Diana Bonilla, Helena Berrozpe, Víctor Ramos Alfaro, Rafael Ibáñez y José Juan Rodríguez, Pilar Duque de Estrada y Mey-Ling Bisogno

Músicos en vivo: Martín Ghersa e Isabel Romeo Biedma

Música original y banda sonora: Martín Ghersa

Diseño de iluminación: Cristina Gómez Jiménez y Paloma Parra

Video mapping: Martín Ghersa y Daniel Calvo

Diseño de vestuarios: Diego Duarte

Escenografía y atrezzo: Pilar Duque de Estrada y Mey-Ling Bisogno

Apoyo: Centro Danza Canal, La Nave del Duende, Conde Duque y Comunidad de Madrid

 

Flesh,

Dirección e interpretación: Ugne Dievaityte y Poliana Lima

 

Sutiles, de my madder

Creación y dirección: my madder

Intérpretes: Manuel Martín y Rebeca García Celdrán

Música: Miserere Mei (edición musical: Rebeca García Celdrán)

 

Migrations, de Camille Hanson y Juan Carlos Arévalo (videodanza)

Dirección Artística y concepto: Camille Hanson

Fotografía y vídeo creación: Juan Carlos Arévalo

Cámaras HD: Rosa de la Losa, Juan Carlos Arévalo

Intérpretes: Eva Boucherite, Belén Guijarro, Poliana Lima, Mar López, Lucía Marote, Irene Vázquez

Ambiente sonoro: Árbol

Texto: Camille Hanson

 

Bordes 12, de Compañía Coracor

Creación y dirección: Compañía Coracor

Intérpretes: Diana Bonilla y Jonathan Martineau

 

Más cosas breves,

Creación e interpretación: Noelia García Baz

Compositor e intérprete: Jorge Godino

.

+info:
Coreógrafos en Comunidad
coreografoscomunidad@gmail.com
https://www.facebook.com/coreografoscomunidad
estudio de Danza / Centro Cultural Conde Duque
calle del Conde Duque, 9-11, 28015 Madrid

.

.

.

.

Anuncios

Memory Root Light del colectivo LRM Performance se presentará dentro del Festival Miniere Sonore

LRM - Colaboratorio Arte

La Asociación cultural Heuristic reabre el telón de Miniere Sonore   con un evento especial dedicado a la mezcla entre las artes contemporáneas.
Después de la exploración de los diferentes recorridos musicales actuales en  Oristano el Septiembre pasado (Miniere Sonore 2012 – 27, 28, 29 septiembre)  la atención se fija en la interacción creativa entre música, acción y artes visuales.
Protagonista de este evento especial es el colectivo español LRM Performance, que pondrá en escena su último trabajo original Memory Root Light creado  expresamente para Miniere Sonore.

Este evento cuenta con el patrocinio de la Región Autónoma de Cerdeña,  la Comunidad y Provincia de Oristano, el Conservatorio G.P de Palestrina de Cagliari y la Embajada de España en Italia.

Fecha:
ORISTANO

22 diciembre 2012

Teatro Garau h.21:30

Heuristic es la asociación que dirigen Stefano Casta (director artístico) y Lorenzo Lepori organizadora del Festival Miniere Sonore.

Su objetivo es la creación de vínculos creativos entre la realidad artística de Cerdeña y el resto del mundo, a través de intercambios, mezclas artísticas y producciones inéditas, que favorezcan el intercambio entre países y escenas artísticas. Ya se han creado vínculos con la escena francesa e inglesa. 

Su Festival Miniere Sonore se realiza en diferentes espacios singulares de Cerdeña como una mina a cielo abierto abandonada que ha reconvertido en espacio para la cultura (Parque de los Sonidos de Riola Sardo) o la villa de San Leonardo de Siete Fuentes revalorizada turísticamente con este evento cultural. La web de Heuristic

Cartel Miniere LRM - Colaboratorio Arte
LRM Performance estrena Memory Root Light en el Festival Miniere Sonore

LRM Performance – Creado por David Aladro-Vico y Berta Delgado, LRM es acrónimo de Locus, Rodo, Momentum
-Lugar, Erosión, Momento- representando la equivalencia entre    espacio, tiempo y materia. LRM Performance busca romper barreras entre las disciplinas artísticas: Música, Artes Plásticas  y Escénicas contemporáneas creando un nuevo resultado de su trabajo conjunto.
El término Performance se emplea para denotar actividad artística en tiempo real.

Memory Root Light es el último trabajo de LRM Performance para Miniere Sonore y cuya elaboración
ha llevado año y medio.

LRM Performance presenta en sus trabajos un continuo en el que el espectador  se sumerge en secuencias de escenas abstractas. La combinación de sonido,  imágenes, movimiento, técnica y tecnología genera entornos de carácter surreal,  ilusorio y expresionista, aunque sin ninguna intención representacional.

Conceptos opuestos como tecnología, primitivismo, urbano, biológico, inorgánico,  etcétera surgen de forma paradójica pues su trabajo no posee carácter conceptual, narrativo ni descriptivo.  LRM no emplea textos ni voz inteligible.

El sonido genera la estructura de la obra tanto como los demás elementos; timbre y duración van siempre correlacionados con formas, movimiento y color.
El vocabulario de movimiento y acciones invitan al espectador a intuir, descubrir y percibir,
antes que a la asociación o a lo predecible o la interpretación.
LRM Performance incluye variedad de técnicas y tecnologías empleadas por los intérpretes desde el escenario.
LRM utiliza materiales luminiscentes como papel, plásticos, acetatos y gasas; técnicas visuales analógicas y video; técnicas plásticas de creación en directo; sonidos e instrumentos musicales/visuales en vivo, procesados analógica y digitalmente, así como prótesis para los movimientos y acciones ensambladas con todos los elementos sonoros y visuales.

Web LRM Performance: www.LRM-info.com

LRM 3

Tomar la calle – Crónicas Barcelonesas

 

articulo y fotografías por Adriana Cordero* para Colaboratorio Arte 

Creo una ciudad se caracteriza no solo por sus edificaciones o monumentos símbolos, una ciudad se caracteriza sobre todo por quienes la habitan. Si alguien menciona la palabra Barcelona probablemente se viene a la mente palabras como Gaudí, Sagrada Familia, Parc Guell, playa y fiesta loca.

Reencontrarme con esta ciudad luego de 2 años de dejar de vivir en ella ha sido una experiencia maravillosa, sobre todo porque cuando uno entra en la dinámica de la rutina no toma atención de esos pequeños detalles que cuando eras  un “recién aterrizado” te sorprendieron.

Esta vez decidí volverme una completa y total guiri como llaman los catalanes a los turistas. Un domingo en la mañana decidí ir a darme unas vueltas por el centro. Mi primer encuentro fue con los músicos del metro.

En el año 2001 se pone en marcha con la colaboración de la AMUC (Asociación de Músicos de la Calle y el Metro) y la mediación del Ayuntamiento de Barcelona, un proyecto pionero para establecer la presencia de músicos en puntos concretos y señalizados de la red de metro. El resultado del proyecto a lo largo de estos 10 años ha sido satisfactorio para todas las partes. Actualmente hay 34 puntos en la red donde tocan más de 600 músicos acreditados. Cada año, con la AMUC, organizamos un festival subterráneo abierto a todos los ciudadanos en el que participan gran parte de los músicos que actualmente se acogen a este sistema regulado.

Bajé en la estación Jaume I, linea amarilla; en pleno barrio gótico y decidí ir a dar una vueltas por el centro. Durante esta caminata encontré músicos de todo tipo cantantes líricos, aquellos que tocaban instrumentos exóticos y hasta una banda de argentinos que hacían bailar a todos los que se paraban unos minutos a escuchar el ritmo de sus tambores y trompetas. Tocar en las calles de Barcelona actualmente tiene sus riesgos. Existe una ordenanza que prohibe el uso de amplificador y el de percusiones. También tocar en calles de menos de 7 metros de ancho y más de una hora seguida.
Por otra parte, hay enclaves con régimen especial que sólo se permite tocar de 18 a 20 horas los sábados y de 12 a 14 horas los domingos.
Supuesto de no cumplir con la normativa o que exista alguna queja se corre el riesgo de que la Guardia Urbana intervenga los instrumentos utilizados.

Visto que era un domingo decidí ir a visitar la catedral ya que cuando yo vivía en Barcelona se encontraba en restauración. Delante de la catedral se encontraba una orquesta de músicos y delante de ellos varios grupos de bailarines de Sardana.

.

La Sardana es la danza nacional Catalana, originaria de la región de l’Empordá, al Norte de Cataluña. Los Etruscos y la antigua Grecia también la bailaban. Los bailadores de Sardana juntan las manos con los brazos levantados, formando círculos que crecen más y más grandes a medida que la gente se va uniendo al grupo. Tradicionalmente, se puede entrar a formar parte del círculo en cualquier momento pero no pueden partir una pareja, que será un hombre y la mujer que tenga a su derecha. Cuando el círculo es demasiado grande, los bailarines forman más círculos. Muchos turistas como yo tomaban fotos y algunos se animaban a  bailar.

Llegando a La Rambla las calles principales estaban cerradas. La gente caminaba libremente y por montones, cosa no extraña en esta parte de la ciudad. Me topé con un cuadrado negro enorme en medio de la calle, era una pantalla gigante y un gran grupo de personas estaba mirándola muy atenta.  Le día la vuelta y oh sorpresa! estaba transmitiendo en simultáneo el concierto L´ànima del Liceu – El alma del Liceu. El Gran teatre de Liceu nace en 1847 en la Rambla de Barcelona, es un teatro de ópera que a lo largo de los años ha mantenido su función de centro cultural y artístico, convirtiéndose en uno de los símbolos de la ciudad.

Actualmente es un teatro de titularidad pública (Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona, Diputación de Barcelona y Ministerio de Cultura) administrado por la Fundación del Gran Teatre del Liceu, que incorpora, además de las citadas instituciones, el Consejo de Mecenazgo y la Sociedad del Gran Teatre del Liceu.

Con L´ànima del Liceu, preparado al margen de las actividades del teatro; el personal del Liceu quería agradecer el apoyo prestado durante la crisis y la amenaza, no ejecutada, de cierre temporal del teatro. También querían denunciar el “malentendido permanente que hay entre la cultura y la política” y reivindicar que otro Liceu, mejor, es posible.

Soñando con Verdi y compañia volvi a las callejuelas del rabal y el barrio gótico.

Al girar en una de ellas encontré un espacio bastante amplio y nuevo gentio alrededor de “algo”. Era una performance que denunciaba el maltrato animal en laboratorios. En medio de la masa de gente se contraba una tina con una chica que sumergida en tinta roja, alrededor de la tina conejitos de papel nos impedían el paso. Coronando la tina dos compañeros sostenían una pancarta alusiva al maltrato animal.

Luego de esto decidí tomar el metro, llegué a via Laietana. De repente vi llegar muchas camionetas con policias y hasta una ambulancia. Una marcha me estaba dando el encuentro. Se desarrolló de manera bastante traquilla, digamos que no se quemó ningún Starbucks y nadie perdió un ojo a palazos. Se protestaba básicamente en contra de la nueva reforma laboral y por solidaridad por los arrestados el 29 de marzo 2012.

.

..

..

..

.

.

.

Creo al final eso es lo que hace especial a esta ciudad, en cada esquina uno puede toparse con algo o alguien que te sorprende. Opuestos y semejantes conviven en armonía, al menos la mayor parte del tiempo; dejándote pensar en que lugar te encuentras.

* MA Gestión de Empresas e Insticiones culturales. Diplomada en Gestión y Políticas Culturales. Grabadora.

.

+Info:
Musics al Metro
Asociación Musicos de la calle – Barcelona
Sardana
Gran Teatre el Liceu
Concierto L´ànima del Liceu
Anima Naturalis
Solidaritat 29m

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2012, por John Malkovich

 

..

publicado en www.artezblai.com el 26 de marzo 2012 imagen tattoodonkey.com

.

El 27 de marzo de 2012 será una fecha muy especial. Se celebra, como todos los años el Día Mundial del Teatro, pero este año se cumplen  cincuenta desde que el Instituto Internacional del Teatro de la UNESCO lo instauró promoviendo anualmente la difusión de un Mensaje escrito por una personalidad del mundo del teatro. Para esta edición especial, la persona elegida ha sido el actor John Malkovich, que suma su nombre a una lista en la que figuran, entre otros, Jean Cocteau, Laurence Olivier-Jean Luis Barrault, Eugene Ionesco, Antonio Gala, Pablo Neruda, Peter Brook, Iakovos Kampanellis, Vaclav Havel y Arthur Miller.

.

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2012

Por John Malkovich

 El Instituto Internacional del Teatro-ITI de la UNESCO me ha honrado con su petición de realizar este mensaje en la conmemoración del 50 aniversario del Día Mundial del Teatro. Voy a dirigir estas breves consideraciones a mis compañeros del teatro, mis pares y camaradas.

Que vuestro trabajo sea convincente y original. Que sea profundo, conmovedor, reflexivo y único. Que nos ayude a reflejar la cuestión de lo que significa ser humano y que dicho reflejo sea guiado por el corazón, la sinceridad, el candor y la gracia. Que superéis la adversidad, la censura, la pobreza y el nihilismo, algo que, ciertamente, muchos de vosotros estaréis obligados a afrontar. Que seáis bendecidos con el talento y el rigor necesarios para enseñarnos cómo late el corazón humano en toda su complejidad, así como con la humildad y curiosidad necesarias para hacer de ello la obra de vuestra vida. Y que sea lo mejor de vosotros – ya que será lo mejor de vosotros, y aun así, se dará sólo en los momentos más singulares y breves – lo que consiga enmarcar esa que es la pregunta más básica de todas: “¿Cómo vivimos?” ¡Buena Suerte!

Traducción: Juana Lor – Artezblai

.

John Malkovich

Actor, productor, guionista y director estadounidense, aunque por encima de todo, John Malkovich es artista de teatro. Tras descubrir el teatro a principios de los setenta en la Universidad de Illinois, fundó en 1976 y junto a Terry Kinnev, Jeff Perry y Gari Sinise la Steppenwolf Theater Company, en homenaje a la novela de Herman Hesse.

Alcanzó la fama en el cine con su interpretación de Valmont en Las amistades peligrosas de Choderlos de Laclos llevada al cine por Stephen Frears, en la que compartía cartel con Michelle Pfeiffer y Glenn Close. Con este personaje, que supone un paso significativo en su carrera, comienza una trayectoria profesional que le ha llevado a participar en más de setenta películas, tanto en Estados Unidos como en el extranjero.

Ha sido nominado en dos ocasiones a los Oscar por sus papeles en ‘En un lugar del corazón’ (1984) y ‘En la línea de fuego’ (1994), y ha recibido numerosos premios y nominaciones por su participación en películas como ‘Los gritos del silencio’ o ‘Cómo ser John Malkovich’.

En teatro, ha dirigido montajes sobre ‘Las amistades peligrosas’, ‘Hysteria’, ‘Good Canary’ –por la que obtuvo un premio Molière a la mejor dirección. Últimamente le hemos podido ver en los teatros protagonizando el oratorio ‘The infernal comedy’.

.

.

Mujeres y arte de los años 60 – Carolee Schneemann

por Adriana Cordero*

Estamos buscando voluntarios que quieran colaborar con nosotros traduciendo al inglés este artículo, si estas interesado escríbenos a colaboratorioarte@hotmail.com

El siglo XX despierta entre guerras intercontinentales y grandes cambios tecnológicos. Las barreras geográficas poco a poco desaparecen dejando entrar en nuestro hogar todo aquello que parecía lejano. Este fenómeno afecta a la sociedad en todos sus aspectos buscando redefinirse. En el plano artístico la hegemonía europea se pierde, dando paso al intercambio de obras, propuestas y artistas de otros continentes. Desde comienzos hasta mediados de este siglo Paris y Nueva York se convierten en las nuevas capitales del arte occidental.

Socialmente los roles y posiciones, hasta ahora tan larga y fuertemente marcados, son cuestionados por diferentes movimientos sociales como el movimiento feminista contemporáneo. Esto permite sentar las bases de lo que será la presencia activa de la mujer en el panorama artístico de los años 60, 70 y 80. La creación artística adquiere en sí misma especificidad, distinguiéndose por ser un arte marcadamente autobiográfico definido por una gran diversidad de soportes, modelos e intenciones. Muchos artistas de esta época, en el empeño por acercar el arte al público, desarrollan un lenguaje plástico que tiene como base común el uso de procedimientos que involucren al observador como parte de la obra, surgiendo así el arte de acción, los happenings y performances. Las mujeres artistas hacen eco de esta tendencia, desarrollando un lenguaje personal muy ligado en concepto a su condición de mujer. Entre estas mujeres artistas debemos destacar a Carolee Schneemann, artista nacida en el año 1939 en Pensilvania – U.S.A. Empieza su carrera alrededor de los años 50 como pintora de estilo  Neodadaísta construyendo estructuras en formas de cajas con pinceladas expresionistas, teniendo desde su obra temprana una fuerte influencia del artista Robert Rauschenberg.En 1962 se muda a Nueva York  donde desarrolla un lenguaje plástico de marcada tendencia feminista y caracterizado por la utilización de los “nuevos medios”.

Con el pasar del tiempo la definición de happening, acción, y más tarde el desarrollo de toda una serie de modalidades artísticas como el body art y la performance se hace dificultosa pues no existe una estructura lineal con un comienzo y un fin claro  dentro de la obra, ya que su forma y organización es abierta. Esto revoluciona el concepto de obra, espacio y trascendencia del autor en relación con su obra y el mundo. El/la artista actúa como mediador o catalizador, y tanto su puesta en escena, ejecución, diseño, e incluso la movilización del público le supone un nuevo papel de gestor artístico.

Las obras Schneemann se presentan de forma individual o colectiva, en espacios alternativos como cafés o la calle para luego ser admitidos en espacios formales del circuito artístico tradicional. Para  artistas como Carolee Schennemann la representación del cuerpo adquiere relevancia desde el inicio de los años sesenta. Muchas de ellas tuvieron un papel destacable en la temática de la autorrepresentación actuando en muchos casos, como iniciadoras respecto a la sexualidad y al cuerpo femenino. Serían ellas las primeras en criticar, ironizar y subvertir las imágenes difundidas por la tradición del desnudo femenino, buscando de posicionar a La Mujer como sujeto activo de su autorrepresentación  y no como mero objeto sexual por parte de los artistas varones, reelaborando su propia biografía e investigando sobre asuntos tan variados como el patriarcado y la política. Schneemann, en la presentación de su obra titulada Interior Scroll (1975)  pinta los contornos de su cuerpo y de su cara. A continuación lee un texto antiguo mientras va adoptando poses propias de una modelo. Hacia el final de la presentación de la obra Schneemann tira el libro y comienza a leer un rollo que extrae de su vagina, en una muestra de identificación del cuerpo de la mujer como fuente de conocimiento. En otras obras la artista fusiona la danza, la música y la coreografía como en las tituladas Meat Joy (1964), y la película Fuses (1965), donde destaca la temática asociada a las sensaciones y funciones relacionadas con el cuerpo.

El movimiento de artistas feministas respondió también a la crisis entre la definición tradicional de autor y una auténtica posición del sujeto femenino. La autora femenina se representa como un elemento de procedimiento social y a través de esto, demanda una atención más cercana en cuanto a las relaciones de poder entre individuos (principalmente femeninos) e instituciones encontradas en el proceso de producción artística. La aspiración era hacer arte a manera de transformación social siendo la artista una activista al servicio de la re –formación de los valores culturales tradicionales, siendo esto posible solo con la destrucción del aura que rodea el misterio del proceso de la creación artística. Colaboración o acción colectiva es la “técnica” utilizada para desmitificar al artista creador haciendo responsables a todos los participantes del producto final sea el que sea. De acuerdo con este modelo, la colaboración – al menos en las aspiraciones feministas – no desestabiliza la identidad del artista, más bien remarca su posición de productor en términos marxistas; enfatizando la producción sobre el producto, eliminando distinciones entre no especialistas (lectores, escritores, audiencia) y especialistas (autor, artista) incentivando a la artista feminista a descubrir otra identidad a través de su solidaridad con un cuerpo mayor, el del proletariado. Es así que el producto final no sería sino el residuo de proceso  en sí.

 
 
.

* MA Gestión de Empresas e Insticiones culturales. Diplomada en Gestión y Políticas Culturales.

 
+Info:
Videos Carolee Schneemann
Caroleen Schneemann
Imágenes:
imagen #1: Meat Joy – fuente: P.P.O.W
imagen #2: Interior Scroll – fuente: artnet
imagen #3: Mix obras – fuente: Colaboratorio [arte, espacio &movimiento]
.