Laurent Chehere, casas voladoras

Articulo aparecido en “lamono” http://lamonomagazine.com el 5 de septiembre 2012.

¿Recordáis la película Up, cuando la pequeña casita del anciano protagonista sale volando por los aires gracias a un montón de globos? Un momento de bello surrealismo, una licencia poética que se puede tomar el cine. Algo parecido es lo que hace Laurent Chehere, fotógrafo francés que profundiza en la belleza de la arquitectura urbana de viejos edificios ya muy vividos, pero que en su asentamiento quizás pasan desapercibidos para los sobrecargados ojos del cosmopolita.

Inspirado por las casas de los barrios parisinos de Belleville y Menilmontant, el artista captura los edificios y los eleva por los aires. Entre nubes flotan y los podemos observar en todo su esplendor, con la ropa tendida, las flores asomando por los balcones, pájaros sobre volando o incluso ardiendo.

Una idea romántica que destaca la anónima belleza de los viejos edificios, todos con algo que contar. Y si os gustó Up, Chehere recomienda The Red Balloon, de 1956, película en la que se inspiró para este proyecto. Además, el artista estará exponiendo Flying Houses en la galería París-Beijing del 25 de octubre al 4 de diciembre 2012.

+info:
Laurent Chehere
 

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Lo imposible, por Li Wei

articulo aparecido en el puercoespín -política, periodismo, literatura, zoología- (http://www.elpuercoespin.com.ar/)  en 22 de septiembre 2010

Dice Li Wei:

Li Wei puede lograr lo imposible. Su mensaje a la gente es: nada es imposible. En sus fotografías, desafía la gravedad, actúa como un meteorito. Inspirado por otros artistas conceptuales contemporáneos, así como por el arte de varieté chino clásico, combina proezas físicas con fotografía. En algunas fotos, aparece suspendido precariamente desde un rascacielos; en otras, se balancea delicadamente sobre su cabeza en lo alto de un pilar o se para sobre una sola mano en el poste de luz de una autopista.

Parte de la intriga es no saber cómo están hechas sus fotos. Pero en el núcleo de su obra se encierra la creencia en la fragilidad de la vida humana, en la capacidad del hombre de superar esa fragilidad. Sus fotos describen la situación actual del hombre: todo es inestable, todo es peligroso. La vida puede ser incierta, pero, al menos en el universo de Li Wei, también sobrenatural.

Li Wei (Hubei, China 1970) vive en Beijing. Asegura que sus fotografías no son montajes hechos en computadora. Trabaja con la ayuda de elementos, entre ellos espejos, cables metálicos y andamios, y con destrezas acrobáticas. Sus fotografías han sido exhibidas, en muestras individuales, en galerías de Beijing, Hong Kong, Seúl, Madrid, New York, y en Italia y Dinamarca, y publicadas en una gran cantidad de revistas de arte de Europa y Asia.

Más sobre Li Wei y su obra, aquí.

Para saber más sobre el trabajo de Li Wei cliccar el siguiente video:

Pantalla Global – Crónicas Barcelonesas

articulo y fotografías por Adriana Cordero* para Colaboratorio Arte

Hace unas semanas durante mi viaje a la ciudad de Barcelona tuve la oportunidad de visitar la exposición Pantalla Global en el CCCB. En esta exposición participan nuestros amigos del Colectivo Pay de Menta.

Me parece una propuesta bastante interesante no solo a nivel expositivo sino también a nivel participativo.

Los dejo con uno de los textos de su plataforma virtual:

Del 25 de enero al 28 de mayo de 2012, el CCCB presenta la exposición Pantalla Global, muestra basada en el libro homónimo de Gilles Lipovetsky y Jean Serroy, comisarios de la exposición junto con Andrés Hispano, que explora el poder de las pantallas en la sociedad actual.

Pantalla Global trata sobre todas las pantallas que nos influyen en el siglo XXI: cine, televisión, ordenadores, teléfonos inteligentes, tabletas digitales, pantallas de vigilancia, etc. Todas las pantallas que han llegado a nuestra vida para quedarse y cuyo poder no tiene precedentes, afectando a todos los sectores: privado, social, cultural, artístico, científico y político.

Pantalla Global porque multiplica las imágenes que consumimos como espectadores y que en la exposición física se muestran en siete espacios dedicados a la historia, la política, el deporte, la publicidad, el exceso, el juego y la vigilancia.

Esta exposición es la segunda fase de un proyecto que se inició el pasado 1 de octubre con la activación de la plataforma virtual. Los primeros objetivos y desafíos fueron dar a conocer el trabajo de incubación del proyecto expositivo, aportar ideas, textos y bibliografía sobre el tema y lograr una participación activa de los usuarios a través del envío de vídeos.

La segunda fase de Pantalla Global, que empieza con la inauguración de la exposición presencial, permite conciliar campo y contracampo –la exposición y la contraexposición–, aparte del reto implícito en la versión digital que, sin alejarse de las tesis curatoriales, no se limita a una simple trasposición de la puesta en escena física. El género exposición requiere un lenguaje propio en los mundos virtuales.

Pantalla Global porque no se limita a las imágenes creadas por especialistas (cineastas, videoartistas, documentalistas, etc.), sino también a todas aquellas imágenes generadas por la explosión de creatividad colectiva que están permitiendo Internet y las nuevas tecnologías.

Por lo tanto, estás invitado a un proyecto abierto, evolutivo y compartido.

  • Un experimento de creación y co-creación conformado por una exposición física o presencial que tendrá lugar en el CCCB del 24 de enero al 27 de mayo de 2012, y también por una plataforma virtual que funcionará antes, durante y después de la exposición física.
  • Puedes descubrir el campo propuesto por los comisarios en el que se desarrolla su visión de la potencia de las pantallas. Y crear el contracampoen el que podrás dar tu propia visión eligiendo entre los siete temas que definen la exposición.

La convocatoria de recepción de piezas audiovisuales permanece abierta durante la presentación de la muestra y mientras duren sus itinerancias.

* MA Gestión de Empresas e Insticiones culturales. Diplomada en Gestión y Políticas Culturales. Grabadora.

+info:
Pantalla Global
CCCB
 

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Tomar la calle – Crónicas Barcelonesas

 

articulo y fotografías por Adriana Cordero* para Colaboratorio Arte 

Creo una ciudad se caracteriza no solo por sus edificaciones o monumentos símbolos, una ciudad se caracteriza sobre todo por quienes la habitan. Si alguien menciona la palabra Barcelona probablemente se viene a la mente palabras como Gaudí, Sagrada Familia, Parc Guell, playa y fiesta loca.

Reencontrarme con esta ciudad luego de 2 años de dejar de vivir en ella ha sido una experiencia maravillosa, sobre todo porque cuando uno entra en la dinámica de la rutina no toma atención de esos pequeños detalles que cuando eras  un “recién aterrizado” te sorprendieron.

Esta vez decidí volverme una completa y total guiri como llaman los catalanes a los turistas. Un domingo en la mañana decidí ir a darme unas vueltas por el centro. Mi primer encuentro fue con los músicos del metro.

En el año 2001 se pone en marcha con la colaboración de la AMUC (Asociación de Músicos de la Calle y el Metro) y la mediación del Ayuntamiento de Barcelona, un proyecto pionero para establecer la presencia de músicos en puntos concretos y señalizados de la red de metro. El resultado del proyecto a lo largo de estos 10 años ha sido satisfactorio para todas las partes. Actualmente hay 34 puntos en la red donde tocan más de 600 músicos acreditados. Cada año, con la AMUC, organizamos un festival subterráneo abierto a todos los ciudadanos en el que participan gran parte de los músicos que actualmente se acogen a este sistema regulado.

Bajé en la estación Jaume I, linea amarilla; en pleno barrio gótico y decidí ir a dar una vueltas por el centro. Durante esta caminata encontré músicos de todo tipo cantantes líricos, aquellos que tocaban instrumentos exóticos y hasta una banda de argentinos que hacían bailar a todos los que se paraban unos minutos a escuchar el ritmo de sus tambores y trompetas. Tocar en las calles de Barcelona actualmente tiene sus riesgos. Existe una ordenanza que prohibe el uso de amplificador y el de percusiones. También tocar en calles de menos de 7 metros de ancho y más de una hora seguida.
Por otra parte, hay enclaves con régimen especial que sólo se permite tocar de 18 a 20 horas los sábados y de 12 a 14 horas los domingos.
Supuesto de no cumplir con la normativa o que exista alguna queja se corre el riesgo de que la Guardia Urbana intervenga los instrumentos utilizados.

Visto que era un domingo decidí ir a visitar la catedral ya que cuando yo vivía en Barcelona se encontraba en restauración. Delante de la catedral se encontraba una orquesta de músicos y delante de ellos varios grupos de bailarines de Sardana.

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La Sardana es la danza nacional Catalana, originaria de la región de l’Empordá, al Norte de Cataluña. Los Etruscos y la antigua Grecia también la bailaban. Los bailadores de Sardana juntan las manos con los brazos levantados, formando círculos que crecen más y más grandes a medida que la gente se va uniendo al grupo. Tradicionalmente, se puede entrar a formar parte del círculo en cualquier momento pero no pueden partir una pareja, que será un hombre y la mujer que tenga a su derecha. Cuando el círculo es demasiado grande, los bailarines forman más círculos. Muchos turistas como yo tomaban fotos y algunos se animaban a  bailar.

Llegando a La Rambla las calles principales estaban cerradas. La gente caminaba libremente y por montones, cosa no extraña en esta parte de la ciudad. Me topé con un cuadrado negro enorme en medio de la calle, era una pantalla gigante y un gran grupo de personas estaba mirándola muy atenta.  Le día la vuelta y oh sorpresa! estaba transmitiendo en simultáneo el concierto L´ànima del Liceu – El alma del Liceu. El Gran teatre de Liceu nace en 1847 en la Rambla de Barcelona, es un teatro de ópera que a lo largo de los años ha mantenido su función de centro cultural y artístico, convirtiéndose en uno de los símbolos de la ciudad.

Actualmente es un teatro de titularidad pública (Generalitat de Catalunya, Ayuntamiento de Barcelona, Diputación de Barcelona y Ministerio de Cultura) administrado por la Fundación del Gran Teatre del Liceu, que incorpora, además de las citadas instituciones, el Consejo de Mecenazgo y la Sociedad del Gran Teatre del Liceu.

Con L´ànima del Liceu, preparado al margen de las actividades del teatro; el personal del Liceu quería agradecer el apoyo prestado durante la crisis y la amenaza, no ejecutada, de cierre temporal del teatro. También querían denunciar el “malentendido permanente que hay entre la cultura y la política” y reivindicar que otro Liceu, mejor, es posible.

Soñando con Verdi y compañia volvi a las callejuelas del rabal y el barrio gótico.

Al girar en una de ellas encontré un espacio bastante amplio y nuevo gentio alrededor de “algo”. Era una performance que denunciaba el maltrato animal en laboratorios. En medio de la masa de gente se contraba una tina con una chica que sumergida en tinta roja, alrededor de la tina conejitos de papel nos impedían el paso. Coronando la tina dos compañeros sostenían una pancarta alusiva al maltrato animal.

Luego de esto decidí tomar el metro, llegué a via Laietana. De repente vi llegar muchas camionetas con policias y hasta una ambulancia. Una marcha me estaba dando el encuentro. Se desarrolló de manera bastante traquilla, digamos que no se quemó ningún Starbucks y nadie perdió un ojo a palazos. Se protestaba básicamente en contra de la nueva reforma laboral y por solidaridad por los arrestados el 29 de marzo 2012.

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Creo al final eso es lo que hace especial a esta ciudad, en cada esquina uno puede toparse con algo o alguien que te sorprende. Opuestos y semejantes conviven en armonía, al menos la mayor parte del tiempo; dejándote pensar en que lugar te encuentras.

* MA Gestión de Empresas e Insticiones culturales. Diplomada en Gestión y Políticas Culturales. Grabadora.

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+Info:
Musics al Metro
Asociación Musicos de la calle – Barcelona
Sardana
Gran Teatre el Liceu
Concierto L´ànima del Liceu
Anima Naturalis
Solidaritat 29m

Muestra “Next Station” del artista Kasimir Mathalas


Nacido en Budapest en 1987, comienza su pasión por la fotografía en la adolescencia cuando se hace con su primera cámara fotográfica digital. Estudió en el Instituto de Fotografía de Nueva York y después de viajar y residir en diferentes países, elige Barcelona para establecerse y desarrollar su actividad artística. Actualmente colabora con el estudio barcelonés de fotografía La Fotográfica, máximo representante junto con Kasimir Mathalas de la corriente Digipovera a nivel español.

El arte digipovera es un nuevo movimiento artístico que reflexiona sobre la fotografía actual y el modo en que la sociedad de hoy en día consume y desecha la gran cantidad de fotografías digitales que se realizan a menudo de forma compulsiva, como consecuencia del uso de cámaras digitales y teléfonos móviles.

Desde sus comienzos, el digipovera, se ha caracterizado por emplear de forma no convencional la fotografía digital “desechable”, aquella fotografía de mala calidad y que aparentemente no sirve para nada , reciclándola, desenmascarando su belleza y dándole un nuevo enfoque hasta convertirla en una obra artística.

Este movimiento tiene como referencia más cercana el Arte Povera también conocido “arte pobre” una corriente artística que se dio a conocer a finales de los sesenta en Italia, cuyos creadores utilizaban materiales considerados pobres, desechables o carentes de valor para la creación de sus obras.

El artista recolecta y acumula fotografía y todo tipo de objetos desde hace tiempo creando nuevas obras, collages y pequeñas esculturas a partir de imágenes desechables.

El estudio de fotografía barcelonés La Fotográfica, que ha apostado desde sus inicios por este nuevo movimiento y por el artista húngaro, acogerá del 1 al 10 de diciembre, parte de la colección del artista.

Se expondrán un total de dos series de 9 y 15 obras respectivamente que componen la última colección de Kasimir Mathalas. Esculturas, collages e imágenes cercanas, cotidianas y urbanas, cargadas de un gran magnetismo y envueltas casi siempre de un cierto aire místico –como todo lo que rodea al autor-forman parte de esta última colección.

La exposición se podrá visitar previa concertación, hasta el 10 de enero en La Fotográfica (C/Rossend Arús,11 bajos-Barcelona). La inauguración será el 15 de diciembre a las 19h. ¡No se lo pierdan!

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+Info:
La Fotográfica
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Constructo de un Imaginario

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Estamos buscando voluntarios que quieran colaborar con nosotros traduciendo al inglés este artículo, si estas interesado escríbenos a colaboratorioarte@hotmail.com

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por Cecilia Carrión*
fotografías archivo de la artista

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El presente proyecto nace  de la necesidad por explorar acerca de las construcciones imaginarias del ser humano, permitiéndome así desarrollar la construcción de mi imaginario. Para lograrlo reuní al concepto del ´´árbol imaginado´´, tratado en el estudio de la psicogenealogía del niño adoptado, relacionándolo con las realidades ficticias.

El grabado fue el método técnico que me otorgó los elementos gráficos: formas, tonalidades, estableciendo la idea de ensoñación y fantasía  mientras que el transfer  fotográfico me  apoyó en la percepción de la realidad.

Otros elementos que apoyaron la construcción gráfica del imaginario, son la perspectiva.

A partir del estudio dela Psicogenalogíadel Alejandro Jodoroswsky, encuentro una vía de identificación con mis inquietudes personales, puesto que Jodoroswky plantea que el niño adoptado posee tres árboles genealógicos: el árbol biológico, el árbol adoptivo y el árbol imaginario. A partir de esta investigación  me embullo en mi árbol genealógico, abriendo  paso a   la construcción de mi árbol adoptivo y en esta ocasión a  la reconstrucción del árbol imaginado.

Es de esta manera intento realizar  la construcción de mi imaginario, lo que significa recordar mi infancia imaginaria (lúdica, fantasiosa) y registrar la presente, (evocativa, sensorial).

Mi objetivo principal en esta muestra es crear una gráfica del constructo imaginario basado en el imaginario psicogenealogico y las herramientas del grabado, el collage y la fotografía.

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+Info:
La muestra va del 03 al 26 de Agosto en la Galería Azur; Jiron San Martin 858, de la Alianza Francesa de Trujillo. 
Website Cecilia Carrión
 
Evento
 

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*Grabadora peruana egresada de la especialidad de Grabado en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Católica del Perú. Ha participado en colectivas en espacios culturales, museos y galerías en el Perú y en el extranjero como Brasil, España, México, Chile, Venezuela y Portugal. Finalista del XXXIII Salón Nacional de Grabado en el marco de la III Bienal de Grabado ICPNA 2010 y obtuvo el premio Adolfo Winternitz en el 2009 con el 1er puesto de la especialidad de Grabado de la PUCP.y el premio Adolfo Winternitz 2010. Actualmente se desempeña en el grabado y la fotografía.

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Orlan, La caída de la metáfora: cuando lo real se adueña de la escena

 

Estamos buscando voluntarios que quieran colaborar con nosotros traduciendo al inglés este artículo, si estas interesado escríbenos a colaboratorioarte@hotmail.com

por Corinne Sacca-Abadi publicado en antroposmoderno.com

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La obra de Orlan nos enfrenta a un problema de notable complejidad. Orlan es el paradigma de la artista inteligente, capaz de elaborar un discurso coherente y con una interesante trayectoria. Con esos antecedentes, comienza nuevas obras en las que desborda peligrosamente los límites del arte y cae en picada en terrenos farragosos en los que hunde su capacidad creativa, al exhibir su cuerpo desgarrado. Su propuesta estética constituye un fenómeno social y mediático. Creo que merece estudios de tipo antropológico y cultural, pero a mi entender, su obra excede los dominios del arte.
La artista tiene la capacidad de movilizar los espacios museísticos más importantes, como el Centro Pompidou y es convocada en las principales bienales para exhibir una obra que merece una reflexión. Nacida en Francia en 1947, Orlan es una artista multimediática que desde 1965 viene realizando audaces performances, en las que ubica a su propio cuerpo como eje protagónico de la obra. Durante 10 años trabajó sobre el tema de la identidad femenina a través de la iconografía cristiana, utilizando su propia imagen en un contexto barroco profundamente herético. (Orlan vestida de monja ofreciéndose eróticamente).
En 1990, realizó una performance en Newcastle, Inglaterra denominada ” La Reencarnación de Saint Orlan”. La artista hace un jueg de palabras santo-santa continuando con una estrategia de fusión-confusión de sexos con relación a sí misma. En una búsqueda celebratoria de nuevas identidades, inicia una serie de operaciones quirúrgicas (diez hasta hoy) con distintos cirujanos y en diferentes países. La artista dirige desde el quirófano las intervenciones realizadas bajo anestesia local ante la vista de fotógrafos, cámaras de televisión, de acuerdo a una minuciosa planificación. Cada nueva operación es un paso más hacia la transformación de Orlan, que intenta unir arte y vida con su trabajo. Define su obra como un arte carnal que denuncia las presiones sociales ejercidas sobre el cuerpo femenino, considera caduca nuestra noción del cuerpo y propone un uso de la tecnología aplicado a la vida humana donde todo pueda ser intercambiable y renovable para lograr un ser humano “más feliz”. Su obra se pronuncia en términos utópicos. Las operaciones son especialmente musicalizadas, el staff quirúrgico lleva ropa creada para la ocasión por diseñadores como Paco Rabanne o Issey Miyake, a veces Orlan usa máscaras de teatro, disfraces, lee poesías o textos durante las intervenciones. (Antonin Artaud, Julia Kristeva, etc. Fue operada en Europa y E.E.U.U. y planifica la próxima intervención en Japón donde habrá de crearse mediante complicados implantes injertados, una nariz como las de los clásicos frisos griegos que nace aparentemente de la frente. Orlan trata su propio cuerpo como si fuera un material cualquiera que un artista puede manipular a su antojo. Su carne abierta deviene espectáculo, el cuerpo es equivalente a la tela como soporte sobre la que se gesta la obra.

Orlan se jacta de ser la primera artista en utilizar la cirugía plástica para hacer su propio autorretrato. Procede con una fría lógica cartesiana deconstruyendo imágenes mitológicas de mujeres y las recombina en su rostro para crearse a sí misma. ¿Por qué esas mujeres? Contesta Orlan: -“Diana por su característica de diosa agresiva, Psyché por su belleza espiritual, Europa de Gustave Moreau por su amor a la aventura, la Venus de Boticelli por ser la diosa de la fertilidad y la Mona Lisa de Leonardo por su inteligencia.”
En 1993, la performance “Omnipresence” en Nueva York es transmitida vía satélite, las imágenes de su operación navegan por el mundo en tiempo real. Mientras una enfermera le limpia la sangre que chorrea, el cirujano le introduce el bisturí en la herida abierta, asistimos a la escena de la oreja colgando y la paciente maquillada como para una fiesta sonríe a la cámara y contesta preguntas que el público le formula en directo desde Toronto.
Orlan trata su propio cuerpo como si fuera un material cualquiera que un artista puede manipular a su antojo. Su carne abierta deviene espectáculo, el cuerpo es equivalente a la tela como soporte sobre la que se gesta la obra. A la pregunta inevitable ¿qué es el cuerpo hoy?, surge la respuesta más inmediata: el cuerpo no es una posesión, no tenemos un cuerpo, somos cuerpo. Y éste además de formar parte de la naturaleza, es producto de una construcción sociocultural. El cuerpo no es un hecho objetivo e inmutable sino un valor producido tanto por la historia individual del sujeto como por su presencia del mundo en que le ha tocado vivir. El cuestionamiento de Orlan al estatuto del cuerpo implica una renuncia a la noción de unidad de éste, negándole su función de soporte de la identidad. El cuerpo considerado como un ente cuyas partes son autónomas e intercambiables sin conexión entre sí, pierde su carácter simbólico y significante. Las estrategias de fragmentación y la disociación propuestas por Orlan en sus operaciones-performances transforman al cuerpo en un conjunto de elementos inconexos, sustituibles y eternamente superables. Es un cuerpo robotizado que niega su dimensión simbólica al responder sólo a su funcionalidad.
Creo que tiene sentido renovar una vez más la pregunta sobre qué es el arte hoy, y cuáles son sus límites. Es evidente que esos límites se han ido extendiendo felizmente a lo largo del siglo XX. Pero si consideramos que todo es arte, volveríamos a los años ’60’ y a plantearnos nuevamente el tema de la muerte del arte. Un camino ya recorrido y poco fructífero. La llamada “promiscuidad de géneros”, tan característica de el fin de siglo ha generado obras valiosas multimediáticas que enriquecen al arte contemporáneo. Pero cada expresión artística utiliza su propio código de mediatización que ubica la obra dentro del terreno de la sublimación y no de la llamada satisfacción directa de la pulsión. Creo que el arte parte de una premisa de juego, el producto artístico es una ficción. En los trabajos de Orlan se ha perdido una distancia alusiva, se hace una literalización de aquello que se quiere decir. En la medida en que se anula la distancia entre ella y su obra, no se produce el “como sí del arte”.
Orlan quiere hacer estallar los razonamientos naturalistas de los códigos sociales en un juego irresistible de disolución del cuerpo, va mas allá de la ambigüedad y de la asunción del doble de sí misma. Como una nueva Frankestein, plantea una fuga radical de la naturaleza en un acto subversivo, que desmiente las diferencia de los sexos para desembocar en la androginia. La artista no acepta renunciar a nada, quiere convertirse en su propia madre y en su propio producto, demuele la frontera de los sexos, niega la falta, no hay carencia, ni muerte… No hay muerte, grita el discurso desesperado de Orlan y grita tan fuerte que inevitablemente remite a aquello que calla. Calla el dolor, la impotencia, la humillación de ser uno más de los millones de seres anónimos que pueblan este planeta. Con sus intervenciones quirúrgicas intenta encubrir la furia narcisista que le genera la realidad de la muerte, la incompletud, la castración simbólica que nos convierte a todos en sujetos de la cultura, falibles, incompletos, carentes y mortales.


El artista de hoy es víctima de una sociedad caníbal que le exige para ser reconocido y existir en un medio altamente competitivo, la obligación de decir cada vez algo nuevo, aún al precio de construir la obra con su misma carne. La búsqueda de “amasar el arte” con la propia experiencia de vida es una de la metas estéticas del siglo XX. Se intenta producir un arte que traiga el eco de esas vivencias que los individuos experimentan cada vez con mayor angustia: como la pérdida de la propia identidad. Las nuevas tecnologías ya predicen que el siglo XXI será post-corporal. Las sensaciones virtuales, las manipulaciones de la ingeniería genética, la caída de las fronteras entre lo público y lo privado, están generando una curiosa vivencia de autonomía respecto del cuerpo y de la práctica personal. Iván de la Nuez advierte que dentro de algunas décadas las experiencias vitales aparecerán como entidades sin cuerpo. Este anhelo de descorporización de los seres humanos fue trabajado por otros artistas como Gina Pane, Sterlac, Günter Brus, Bruce Nauman, Robert Gober, Cindy Sherman con diferentes grados de compromiso en lo real. Convengamos que nunca nadie ha llegado tan lejos como Orlan preservando su propia vida.
Rudolf Schwarzkogler del grupo accionista vienés, enrolado en el “Body Art”, se seccionó el pene cm. a cm. mientras un fotógrafo documentó la acción. Las fotos fueron exhibidas en 1972 en la Documenta de Kassel, (el artista se suicidó poco después). Chris Burden se atravesó con clavos las manos y luego los vendió en una galería de Nueva York, donde también se hizo pegar un tiro documentando el hecho.
Orlan es una exponente más de esa indiferenciación actual de lo público y lo privado exhibiendo el interior de su cuerpo. El intento o la ilusión de ser la creadora de sí misma, produce un canibalismo de su propia existencia. Su ambición supera la del mismísimo Prometeo, aquel que les robó el fuego a los dioses para crear a los hombres. El castigo para Orlan no puede ser entonces que un ave le corroa eternamente el vientre como a Prometeo. No. Orlan parece abandonada a sus propios buitres representados por las instituciones, el museo, la galería, el público y todo el sistema del arte contemporáneo que avala este tipo de producciones. Cuando como público o integrantes del circuito del arte nos divertimos con las ocurrencias de los artistas…” si después de todo no hacen mal a nadie”… olvidamos que es el artista quien se quema en la hoguera de su desesperada necesidad de existir, gracias a que desde el establishment cultural se legitima su obra. Se suele hacer una recepción banal de este tipo de experiencias artísticas, aún por parte de la crítica más especializada que teme ser considerada conservadora.
Con sus intervenciones quirúrgicas intenta encubrir la furia narcisista que le genera la realidad de la muerte, la incompletud, la castración simbólica que nos convierte a todos en sujetos de la cultura, falibles, incompletos, carentes y mortales.

Orlan, no quiere sufrir, a diferencia de los artistas del body art, pretende la purificación a través del dolor, ni su obra responde, en lo manifiesto, a las características de las prácticas rituales masoquistas. Orlan transmite a través de sus operaciones el deseo de Ser eternamente, como un ser absolutamente excepcional y único.
La concretización de la obra de Orlan en el terreno de lo real, en la materia misma, en su propia carne, sin un fluir de significaciones, sin metáfora, ni suficientes procesos intermediarios entre el impulso originario y la obra realizada; sumado a la irreversibilidad de las operaciones y la pretensión de indiferenciación entre la obra y su creadora, todo ello hace dudar respecto de la categorización de arte para este tipo de productos culturales.
Aunque la artista organice toda una “mise en scène” en torno a sus intervenciones y adorne sus performances con dramatizaciones, música, y trajes de gran elaboración estética frente a la carne abierta de Orlan creo que se produce una violenta caída de la metáfora. Su cuerpo desgarrado se constituye en un espacio que excede los dominios del arte. Son lugares infranqueables, puntos de opacidad donde lo simbólico se detiene. Creo en el arte como una práctica que se define en la producción de sentidos y en la intensidad formal y ética. Desde ese lugar me pregunto si las instituciones no debieran asumir cierta responsabilidad en las experiencias artísticas que avalan.

Extracto de una entrevista realizada a Orlan por Corinne Sacca Abadi, el 15 de junio de 1997 en Venecia.
C.S.A.) A menudo he pensado con preocupación que el artista ocupa en nuestra sociedad un rol sacrificial, como Juana de Arco y hasta como Cristo mismo debe hacerse incendiar o crucificar para ofrecer un servicio a la sociedad, ¿cuál es tu reflexión al respecto?
Orlan:) Sí, es muy terrible el lugar que le toca al artista contemporáneo si no acepta hacer un arte para el mercado, para complacer al establishement, hoy son pocos los artistas que arriesgan, el arte está domesticado, todo es complaciente anodino, inofensivo.
C.S.A.) Con tus obras no hay duda que pretendes extender los límites del arte, me pregunto hasta dónde es eso posible manteniendo las características del arte mismo. ¿Cuáles son tus límites, Orlan? ¿Dónde se rompe la cuerda?
Orlan:) No tengo límites, por eso soy una artista radical. Mi acción es precursora de un cambio de status del cuerpo, hay que repensar el cuerpo desde lo político, social, mi obra denuncia las presiones sociales ejercidas sobre el cuerpo femenino.
C.S.A.) Si pudieras renacer en el año 2000, comenzar de nuevo, ¿elegirías ser artista?
Orlan:) No, seguramente no, el medio del arte es horrible, patético, es una lucha muy dura para mí. Hubiera elegido ser científica, médica, o bióloga.
C.S.A.) ¿Por qué? Cuál es el trabajo que te gustaría hacer?
Orlan:) Investigaría el cuerpo, trabajaría para alargar la vida, en el futuro la tecnología logrará todo lo que se proponga.
C.S.A.) Se diría que quisieras poner todas tus energías en evitar la muerte.
Orlan:) Es terrible tener que envejecer y morir. No lo acepto, no, nunca lo voy a aceptar.
C.S.A.) Volvamos a tus operaciones, tus performances en el quirófano me despiertan sentimientos encontrados, pienso que se produce una caída de la metáfora, quiero decir que cuando utilizas el cuerpo para referirte a las conflictivas que suscita en lugar de hacer una alusión poética a su dramática, tu obra produce un grado tal de concreción en lo real que me recuerda la relación entre erotismo y pornografía.
Orlan:) (Visiblemente enojada) Ah! No, de ninguna manera, en mis performances hay mucha poesía, lo dicen los mejores críticos, yo armo una “mise en scene” bellísima, la música está muy cuidadosamente elegida, el vestuario, las lecturas durante la operación, todo es muy elaborado. Lo que ocurre es que mi transgresión es brutal, es revolucionaria, es totalmente radical y eso no es fácil que lo entiendan todos. Yo confío en el dictamen del próximo siglo, de todos modos yo nunca produciría un arte que sea aceptado sin cuestionamientos, porque sólo creo en un arte radical y absoluto.
C.S.A.) ¿Porqué no has tenido hijos?
Orlan:) No he querido, yo soy feminista y pienso que los hijos me hubieran impedido llevar adelante mi trabajo. Y siempre he pensado que la mujer tiene que liberarse de esa exigencia social, debe tenerlos sólo si los desea, yo no los deseé. No lo lamento.

C.S.A.) ¿Cuál es el sentido de la intervención en la que te implantaron dos protuberancias en la frente? (que Orlan maquilla a tres colores con sombras perladas para resaltarlas.)
Orlan:) Cierto sector de la prensa muy maledicente no había comprendido el significado de mis intervenciones anteriores, creyeron que yo sólo trataba de ser más bella y por eso elegía a las mujeres más notables de la historia del arte. Quise demostrar que no es así, con mis implantes quedó claro que mi intención no es responder a un canon de belleza, que justamente cuestiono, por otro lado soy absolutamente original y los he desorientado. De todos modos, la prensa me endilga ahora otras pavadas.
C.S.A.) Yo creo que toda tu obra es como un gran desafío a la muerte pero que en realidad le tienes tanto horror a la muerte que no puedes imaginarte muerta. ¿Me equivoco…?Podrías fantasear ahora una obra con relación a tu muerte?
Orlan:) Yo he dado mi cuerpo al arte. Después de mi muerte no se lo daré a la ciencia, sino a un museo. Será la pieza central de una instalación con vídeo, ya lo he previsto todo pero no quiero hablar de mi muerte, yo no la creo, pienso que en el futuro la gente no va morir, la ciencia, te decía, brinda esperanzas, y si tengo que morir demostraré que soy una artista hasta el final.

2001-2003 APA – Asociación Psicoanalítica Argentina

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Imágenes:
#1: self – hybridations “american-indian” 2005-2008, fuente: orlan.net
#2: conference: “Women persist, 40 years of women’s liberation movement, meeting with ORLAN and Catherine Millet » Bibliothèque Municipale de Lyon – Bibliothèque de la Part-Dieu, fuente: orlan.net
#3: skaï and sky and video 1983, fuente: orlan.net
#4:  exposición en Prometeo gallery di Ida Pisani, Milan, Italy; curador: Eugenio Viola, fuente: orlan.net
#5: self – hybridations “precolombian” 1998, fuente: orlan.net
+Info:
http://www.orlan.net
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Hedi Slimane – I LOVE USA

por Colaboratorio [arte, espacio & movimiento]

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“I LOVE USA” es la visión idealizada de Hedi Slimane sobre Estados Unidos, representada a través del prisma del idílico estilo de vida de California. La premisa es simple: Sidney y Wolf son dos adolescentes que se encuentran por primera vez en Venice Beach. Los dos adolescentes fueron descubiertos por Hedi Slimane en el festival de rock Coachella, en 2009 y 2010 respectivamente, y se encontraron por primera vez en el set de rodaje.

El título está inspirado por el sobrenombre “USA” que Hedi Slimane dio a Sidney, que ha aparecido en muchas de las fotografías de su diario. Ella es para él la encarnación de la joven californiana, una representación idealizada de la belleza americana.
Este video exclusivo, un ejercicio de improvisación (como “Improvisation 1”, con el royal Ballet of Copenhagen), destaca la simplicidad y la inocencia de Sidney y Wolf, y retoma los temas clásicos que le han hecho famoso en todo el mundo: el retrato de una generación, la belleza diáfana de Sidney, y la silueta de Wolf recrean la atmósfera emocional e íntima de una pareja de adolescentes californiana.
Sydney se transforma en una animadora caótica muy lejos de la dulce imagen de una colegiala americana y Wolf se convierte en una versión “indie” de “Pedro y el Lobo”. Acompaña a Sidney con un violoncelo desafinado y una careta de lobo. Detrás de Wolf, una bandera americana, elemento presente frecuentemente en la fotografía de Hedi Slimane.

Hedi Slimane empezó su carrera como diseñador para Yves Saint Laurent en 1997. Crea la marca “Dior Homme” y se convierte en director artístico entre el 2000 y el 2007. Su trabajo ha influido enormemente en la moda masculina: lanzó la tendencia “slim” y los jeans pitillo a principios del 2000, reinventa el traje masculino para una nueva generación de hombres. Imitado en el mundo entero, ejerce una considerable influencia en la moda masculina. Sus chaquetas super-ajustadas y las camisas de corte impecable se han convertido en un clásico del armario masculino. Artista completo, Hedi Slimane, volvió su mirada hacia la fotografía: el proyecto “I LOVE USA” será incluido en un libro que se lanzará próximamente y es también el título de una exposición que tendrá lugar en Febrero del 2011 en la Galerie Almin Rech.

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+Info:
Web: Hedi Slimane
Videos: Hedi Slimane – Youtube Colaboratorio Arte
Image: I love USA
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